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前言1

第一部分 艺术的本体2

第1章 导演的工作2

环境2

谁能当导演4

对被排斥者的特别考虑5

考虑低成本5

较短的片或较长的片5

电影或电视6

为何好莱坞模式不适合初学者7

对于低成本制片者而言的重大区别8

可取之道9

关于戏剧表演10

面具及戏剧的功能12

发展电影艺术13

达到创作者支配地位之路14

第2章 导演对主题的确认15

找出你生活中的事件18

练习18

找到你的工作之路20

顺从你的兴趣21

第3章 开发你的故事创意22

收集原材料24

流水帐24

报纸25

历史25

神话和传奇26

家庭故事26

童年故事27

梦27

社会科学和社会历史28

移置和变形29

第一部分要点29

第二部分 银幕工艺34

第4章 银幕语法34

镜头35

镜头的内涵与外延36

并列镜头37

轴线39

演员与表演接受者40

潜台词41

移动摄影、铺轨摄影或跟踪摄影42

升降机的升降42

银幕方向42

改变银幕方向43

从不同的角度看同一动作43

抽象概念45

主观性／客观性46

持续时间、节奏和注意力46

片段47

过渡与过渡手法47

银幕语言总结48

第5章 以一个电影制作者的眼睛去看50

练习5-1：构图分析50

练习5-2：剪辑分析58

练习5-3：剧本与电影成品67

练习5-4：照明分析69

第6章 摄影基本原理78

如何最好地探究这些基本原理79

拓展你的技术80

评价的方法81

练习6-1：基本技术：去与回81

练习6-2：人物研究88

练习6-3：利用实景93

练习6-4：剪辑两个人物对话的一场戏96

练习6-5：即兴创作100

练习6-6：平行叙事103

第二部分要点106

第三部分 剧本写作与故事发展110

第7章 电影剧本110

当你自编自导时110

决定主题111

阅读剧本难在何处112

剧本的标准模式113

小心落入圈套114

基础：建立大纲，处理和概念124

第8章 写作过程126

为什么不是自己的剧本127

与剧作家合作128

写你自己的剧本129

什么都可以写129

群聚想法和非线性写作130

写作是迂回的，不是线性的130

角色创作131

电影剧本：形式应该依从功能吗133

心系观众134

故事的逻辑性以及假定性134

给观众创造空间135

可信性、最小化和故事悬念135

不遗余力地用其他人试验136

慎重考虑后再对批评做出反应136

在临时演员身上试验137

修改、修改、再修改137

导演你自己写的剧本138

挑战潜意识和完成138

你的作品不是你138

第9章 取材艺术作品或者生活139

忠实原著的改编140

随意改编140

改编一个剧本形式的小说或一个真实事件141

版权明晰142

以演员为中心的电影剧本142

将演员结合到剧本中去143

由演员即兴发挥创造的剧本145

电视小说147

第10章 展开故事的策略150

建立大纲151

扩展和浓缩剧本152

故事原型152

英雄的旅程154

角色展开的问题156

最常见的缺陷157

第11章 场景写作训练160

游戏160

评估你的作品163

第三部分要点165

第四部分 美学和作者身份170

第12章 视角170

文学中的视角170

电影中的视角171

总结181

第13章 类型、冲突和辩证法184

创作视觉重要事件184

选择186

视角和类型187

类型与戏剧原型188

矛盾二元性192

微观世界和宏观世界193

观点如何影响视野194

戏剧、宣传和辩证法195

建立关于热心的观察者的世界196

幸存者电影196

彩票赢家电影197

观察者进入故事讲述者197

第14章 结构、情节与时间199

情节200

主题思想201

时间的处理204

第15章 空间、风格化场景和表演210

特殊场合的风格化212

完整的风格化213

奇异的环境214

未来主义环境215

表现主义场景215

背景和音乐216

风格化表演217

为隐喻起名218

第16章 形式与风格220

形式220

形式、矛盾和视角221

视觉设计222

声轨设计222

节奏设计223

主旨224

布莱希特设计的观众辨证关系225

长镜头与短镜头226

短片227

风格228

第四部分要点228

第五部分 前期制作238

第17章 剧本分析238

剧本238

第一印象238

需要考虑的239

协调摄制组239

用动作叙事239

定义潜在意义240

置换原则240

心理或行为矛盾241

定义一个前提或主旨241

制图以帮助显示戏剧的动力242

单元图表242

剧本分析示范图例243

国表243

视点247

笼统的解释最容易导致失败248

为排演准备分镜头剧本248

时间设定248

第18章 选演员250

选演员250

安排第一次试镜254

第一次复试258

第二次复试259

最终的选择260

第19章 指导演员262

寻求自然262

导演就是排除障碍263

靠做来保持注意力集中263

集中精神和放松264

情感记忆法264

意识与肢体的连接264

事情265

一直忙于角色265

注意力的流失与重新获得266

将演员的情感转化为角色的情感266

永不演示267

永远别说：“演出你自己的东西”267

设立具体而实际的目标267

表演时如入无人之境267

障碍：固有的习惯268

第20章 演员的问题270

台词和不安全感271

依附剧本的字面意思271

害怕变化271

孤立的表演272

过度理智272

不聪明的演员272

控制战272

剧本创作273

不恰当的幽默273

妥协273

不守时的问题273

第21章 即兴练习以探索表演的内涵274

发现冲突并定义单元275

即兴表演为何有助于剧作家275

日志277

并非所有的表演都是二重奏277

即兴练习277

练习21-1：观察或是被观察279

练习21-2：家用设备279

练习21-3：闭上眼睛飞280

练习21-4：“木头！”280

练习21-5：镜中的影像281

练习21-6：谁？哪里？什么时间？什么事？281

练习21-7：独角戏，没有台词282

练习21-8：对手戏，没有台词283

练习21-9：胡言乱语284

练习21-10：独角戏，有台词284

练习21-11：对手戏，有台词285

练习21-12：塑造你自己的角色286

练习21-13：全体表演的情形286

练习21-14：培养情绪287

练习21-15：连接不同的情绪288

练习21-16：电视上的一般情景288

练习21-17：音像品交易会289

练习21-18：第一次约会289

练习21-19：内在冲突290

练习21-20：偶遇291

第22章 剧本训练293

剧本293

细读293

发展过程294

有用之时294

练习22-1：演员所带来的294

练习22-2：给剧本划分节奏295

练习22-3：改进内心独白295

练习22-4：性格化296

练习22-5：情节点上的表演297

练习22-6：给我太多297

练习22-7：让我们成为英国人298

练习22-8：情节点检查298

练习22-9：角色转换298

练习22-10：将场景变成即兴表演299

第23章 排练和发展300

计划301

首次通读301

做笔记302

通过提问来执导302

不要向台词学习303

做计划303

首先讨论：关注主题的目的303

鼓励演员研究角色背景305

对演员—对一工作的好处和坏处305

一次排练一个场景305

只处理最重要的问题306

从一个高潮到另一个高潮306

排练录像的好处306

不要模仿电影工业307

何时给演员示范表演308

第24章 导演和演员准备一个场景309

导演309

演员314

参照剧本排练317

离开剧本排演318

第25章 最后排演和整体安排323

主动的观察者323

形式：观看陌生化324

场面调度325

实地排演的好处325

怎样排演才充分326

银幕长度、排演及计时327

制作实验电影328

第五部分要点328

第六部分 制作336

第26章 培养一个摄制组336

依靠摄制组和演员336

使用有经验的人336

培养你自己的摄制组337

摄制组的性情337

成员的任务和职责339

制片人340

导演342

摄像人员的普遍原则343

摄影指导344

摄影344

摄影助理345

照明和布灯师345

录音师和吊杆操作员346

制片经理347

导演助理348

剧本监督348

布景师349

服装和道具349

化妆和发型师350

剪辑350

第27章 场面调度的要素351

讲述者的视点351

从剧本到拍摄脚本352

剧本、观念和场景设计354

谁的视点355

视点可以改变356

构图的选择357

机位设置358

问问你自己364

对照清单365

拍摄重要的内容不止一种方法365

意外的计划367

平面图和故事板367

空间、感知和调度369

透镜370

镜头的选择影响图像的质感375

镜头的选择影响镜头速度375

机位设置的高度376

限制摄像机的运动376

要有勇气去简化376

决定摄像机机位和运动的动机377

向大师学习380

向摄像机妥协380

第28章 准备拍摄381

设备选用：起草设备清单381

外景拍摄地的安排382

脚本顺序386

关键场景提前安排386

情感需求安排387

意外事件安排387

预算每个场景的平均拍摄时间387

金科玉律第一条：居安思危388

金科玉律第二条：检测第一388

开拍与场景识别388

第29章 指导演员397

感官承受力397

演员需要反馈398

统筹安排398

初始阶段演员的担忧399

导演的权威400

将你的注意力分给演员和工作人员401

日常组织401

针对每一个拍摄401

针对新的拍摄402

更多的要求403

将未知置于考虑中403

在风平浪静时将指导放一边404

反应镜头404

反对与批评404

士气、疲惫和紧张406

做角色的模特406

利用交流时间和休息时间407

什么时候该，什么时候不该让演员看工作样片407

第30章 指挥剧组408

分担责任408

主动性408

交流409

和演员及公众的关系409

从摄像机里看场景410

推进进度410

和其他成员在一起时410

结束一天工作411

第31章 监控过程412

跟踪拍摄视角412

监控你的资源413

演剧的质量413

充分体现原创者的意图414

计算进度417

超越现实主义417

放弃控制417

让讲述者长驻心中418

第六部分要点419

第七部分 后期制作428

第32章 准备剪辑428

剪辑：电影还是录像428

后期剪辑概述429

剪辑师的作用和责任431

策略431

个性品质431

创造性的贡献431

工作样片432

合作关系432

导演／剪辑师433

准备剪辑433

同步的工作样片434

保持一份工作样片记录434

剧组成员集中观看样片434

剪辑师和导演看样片435

抓住感觉435

做记录435

反应436

真正的电影就在工作样片中436

同步时码（电影）436

省钱的办法（电影）437

时码和窗口配音（电视）437

电影素材的数码剪辑437

工作样片记录438

为脚本作标记440

第33章 剪辑第一集442

电影的物理过程442

录像的物理过程444

剪辑概念450

第一次组合450

观看粗略的剪辑450

观看第一次组合451

让剪辑师独立去剪辑454

第34章 剪辑：从粗略的剪辑开始455

粗剪观摩455

模仿剪辑的意识457

虚构与视觉的真实性457

影片中的应用458

改变表演节奏459

潜台词的力量459

剪辑的控制460

视觉和听觉的剪辑节奏：音乐中的类推460

戏剧应该产生在观众的想像当中465

观众的主动性465

填充缺口465

重叠剪接：对自顺序466

重叠剪接：场景顺序468

以音响效果简略场景469

总结469

求助，我不能理解470

第35章 剪辑：完成阶段471

图解你的电影471

试验473

关键：声音控制474

承受对你的批评474

第36章 从精编到混录478

精编478

音响及音乐处理的讨论478

后期配音479

同步音响效果479

音乐480

音乐制作和录制的同步点481

录音时间481

调试音乐481

混录能够做什么481

混录的准备483

解说或声音终止483

对白不一致的问题483

放置音乐轨485

声音点效果485

气氛和背景音乐486

合成图表486

混录策略489

第37章 字幕和致谢辞492

低成本电影的字幕493

商业性的字幕运作494

第七部分要点494

第八部分 职业轨迹500

第38章 计划一个专业500

开始时的学徒身份501

电影学校能做什么502

找到一所合适的学校503

自助是现实的选择506

合作的赞成论和反对论506

职业轨迹507

第39章 主要国际影视专业学校508

第40章 闯入这个行业509

通向导演交椅之路509

想像力509

艺术工作者510

个人能力的需要511

艺术家和导演争论出结果511

自由地取得经验512

哪个艺术家能导演512

出校门后直接导演纪录片513

部长职务的重要性513

协调自己514

寻找虚构类影片的主题514

表现形式和市场营销策略515

不断从别人的作品中吸取经验515

资金、工作和训练计划516

展示你自己518

第八部分要点520

附录524

参考文献533